Einfach gesagt, PJ Bruyniks aus Amsterdam hat den "drive" zu malen. Eine positive Unzufriedenheit mit dem was bereits existiert oder gesehen werden kann. Es beginnt meistens mit einer Verbindung von dem, was er um sich herum sieht. Dann hält er Ausschau nach Kontrasten in Formen, Farben und Licht um diese Verbindung auszudrücken. Für ihn ist jeder Malstil oder bildlicher Ausdruck etwas Zeitweiliges. Es geht um suchen und entdecken, was mit Farben, Formen und Licht möglich ist. Allerdings gründet dies immer auf einem fundamentalen Wissen und der Kenntnis des Materials.

Simply said, PJ Bruyniks from Amsterdam has the 'drive' to paint. A positive dissatisfaction with what already exists or can be seen. It starts mostly with an association what he sees around him. Then he looks for contrasts in forms, colours and light to express the association. For him every style of painting or image language is something temporary. It is about searching and discovering what is possible with colours, forms and light. Though always based on fundamental knowledge of the materials.

Aart Prins (geb. 1955) ist Künstler mit Leidenschaft und einer Vision des Lebens. Aart Prins erwarb sein Examen 1981 an der Akademie der Bildenden Künste in Rotterdam in den Fächern Grafik, Malerei und Umweltdesign. Seitdem ist er ein gefeierter und erfolgreicher Künstler mit vielen Teilnahmen an nationalen und internationalen Ausstellungen. Nebenbei, als Lehrer an der Rotterdam Kunst Akademie und anderen Lehranstalten tätig, gab er seine Erfahrung und sein Wissen über Kunst mit absoluter Begeisterung an junge Künstler weiter. Aart Prins ist ein visionärer Künstler der immer den ursprünglichen Kniff des Malens als Ausgangspunkt nimmt, von dem aus er eine erneuerte Form des Malens erschaffen will. Hierin spielen Zeit und Vergänglichkeit des Lebens eine bedeutende Rolle. Tatsächlich blickt man in seinen Bildern auf die Vergangenheit und die Gegenwart, ein Blickwinkel auf die Archäologie der Zeit. Themen, solche wie Vergänglichkeit, das Verhältnis zwischen Männern und Frauen, das Scheitern an sich und das Meer sind häufig wiederkehrende Elemente festgehaltener Ansichten. Seine Visionen und Leidenschaften werden in einer faszinierenden Darstellung, bestehend aus Gold, Messing und Blau oder in einfachen Erdfarben lebendig. Seine Gemälde sind eine fesselnde Palette des Hier und Jetzt, der immer wieder kehrenden Sehnsucht nach dem Meer und der Gefühle des leidenden menschlichen Seins.

Aart Prins an artist with passion and life-vision Aart Prins (1955) graduated in 1981 at the Rotterdam Academy of Fine Arts in the disciplines of graphics, painting and environmental design. Ever since, he has been a toasted and successful artist with many national and international exhibitions to his name. Besides, as a teacher at the Rotterdam Art Academy and other educational institutions, he has passed his experience and knowledge of art with utter enthusiasm on to young artists. Aart Prins is a visionary artist who constantly takes the origin of the art of painting as a starting-point, in which he wants to create a renewing form of painting. In this, time and transitoriness of life play an important part. In fact, through his paintings one looks at the past and the present, a view of the archaeology of time. Themes such as transitoriness, the relation between men and women, struggle and the sea are often returning elements in gripping sights. His visions and passions come to life in a fascinating décor of gold, brass and blue or in plain earth colours. His paintings are an intriguing palette of the here-and-now-life, of the ever returning yearning for the sea and of the emotions of the suffering human being.

Heike Usselmann

„Kunst kommt von Können, aber kann ich Kunst? Ich mache alles, was mir Spaß macht und probiere immer Neues. Bei mir kommt es vor allen Dingen auf die Leidenschaft an, die man dabei einsetzt. Wenn ich fühle, dann male ich abstrakt - in feurigen oder düsteren Farben. Wenn ich Kraft habe, dann gestalte ich Skulpturen. Und manchmal fange ich einfach nur „Augen-Blicke“ ein. Ich mache Kunst aus Leidenschaft. Leidenschaften sind für mich Familie und Freunde und die Kunst ist ein Nebenprodukt. Nicht mehr und nicht weniger.“

Art (lat. arte) means to have skills, but do I have skills? I do everything I like to do and always try new things. More especially for me art means passion in everything I do. When I feel, then I paint abstact paintings – in ardent or dismal colours. When I am strong, I do scuptures. And when I am in a sensitive mood, then I catch looks. Art means passion to me. And my passion are my family and my friendships, and so art is just a by-product. Nothing more and nothing less.”

Hilmar Müller

Von jeher war der Autodidakt, geb. 1949 in Bamberg, fasziniert von der Schichtenmalerei in Öl und entwickelte irgendwann das Bedürfnis sich selbst in dieser Technik auszudrücken. Er erlernte in zahlreichen Zeichen- und Malkursen Schritt für Schritt diese Technik und heute lässt den ehemaligen Grundschullehrer seine Liebe zur Kunst immer wieder zum Pinsel greifen. „In meinen Gemälden halte ich das fest, was ich an Schönem, aber auch an Leidvollem erlebt habe. Vordergründig führt beim Malen jedoch der Wunsch nach Schönheit und Harmonie die Hand.“ 2004 ist Hilmar Müller der Bamberger Künstlervereinigung „Form und Farbe e.V.“ beigetreten und hat an zahlreichen Gemeinschaftsausstellungen teilgenommen.

At all times the autodidact was fascinated by the technik of layer painting and felt more and more bound to express himself in this kind of technic. He took part in several study-courses to learn about it. Today his love of art makes him paint whenever possible. “My paintings are gripping sights of all my experiences, good and bad. But ostensible I long for beauty and harmony.” In 2004 Hilmar Müller became a member of “Form and Colour e.V.” and took part in several group exhibitions.

geboren 1965 in Paris. 1973 verlor sie ihre Eltern und wohnte fortan bei ihrem Großvater wo sie täglich verschiedene künstlerische Ausdrucksformen übte. 1980 gewann sie einen regionalen Wettbewerb und erhielt ihre erste Staffelei. Allerdings wurde die Malerei erst 1990 zu ihrer wichtigsten Tätigkeit. Sie übte sich in der Kunst des Malens durch das bemalen von Möbeln und Holzspielsachen, bevor sie ab 2000 Gemälde schuf. Regelmäßig organisierte sie Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen oder nahm an solchen teil u. a. in Frankreich (Paris, Vézelay, Versailles, Vélizy, Uzès, Lognes) oder im Ausland, vor Allem in Genf und Florenz. 2002 erhielt sie die Goldmedaille für ihre Arbeit «minéralité» ein zeitliches Konzept, welches Rauheit von Farben und Verarbeitung von Materialien mischt. Zur gleichen Zeit veröffentlichte Sie Plakate und nahm an poetischen Veröffentlichungen teil. [INTRA-MUROS], geschaffen 2006, gab ihr die Möglichkeit Worte zu materialisieren. Poesie in Zement, Metall, Plastik, Stein und Videokunst.

nata marcillac was born in Paris in 1965. In 1973, she lost her parents and went to live to her grandfather’s house where she daily used to have different practices of art. In 1980, she won a local competition and received her first easel, but it’s only in 1990 that painting is becoming her principal activity. She learnt the craft by painting wood toys and furnitures, before doing pictures from 2000. Regulary, she organises or participates to personnel or collective exhibitions in France (Paris, Vézelay, Versailles, Vélizy, Uzès, Lognes) or abroad, especially in Geneva and Florence. In 2002, she received a gold medal for her work on “minerality”, temporal concept that mixes asperity of colour and work of materials. In the same time, she realises posters and participates to poetic publications. [INTRA-MUROS] (intra-wall) created in 2006, gave her the opportunity of joining verb to material, encrusting poetry in cement, metal, plastic, stone and video.

Nata Marcillac est née à Paris en 1965. En 1973, elle perd ses parents et va vivre chez son grand-père où la pratique artistique sous toutes ses formes fait partie de son quotidien. En 1980, elle gagne un concourt de dessin local et reçoit son premier chevalet, mais ce n’est qu’en 1990 que la peinture devient son activité principale. Elle apprend le métier de peintre sur des jouets et meubles en bois, avant que ne s’impose le tableau, en 2000. Régulièrement, elle organise ou participe à des expositions personnelles ou collectives en France (Paris, Vézelay, Versailles, Vélizy, Uzès, Lognes) et à l’étranger, à Genève et Florence notamment. En 2002, elle reçoit une médaille d’or pour son travail sur la «minéralité», concept temporel qui allie âpreté de la couleur et travail de la matière. Parallèlement, elle réalise des affiches et participe à des publications poétiques. [INTRA-MUROS] créé en 2006, lui permet de marier le verbe à la matière, en incrustant de la poésie dans le ciment, le métal, le plexiglas, le pavé, la vidéo.

Sabine Wild, geb. 1971 in Neustadt an der Waldnaab, studierte Freie Malerei und Kunsterziehung an der Akademie der Bildenden Künste in München. 1999 erwarb sie das Diplom für Freie Malerei. Seit Erhalt Ihres zweiten Staatsexamens im Jahre 2000, ist sie als Kunsterzieherin tätig, derzeit am Eichendorffgymnasium in Bamberg. Sie absolvierte mehrere Studienaufenthalte in Florenz (Zeichnung, Malerei, Drucktechniken). Seit 1995 beteiligt sie sich regelmäßig Ausstellungen im Raum Bayern. 1999 gewann sie den „Preis für Abstraktion“ im internationalen Wettbewerb beim „Festival de peinture“ in Deux Sévres, Frankreich.

Sabine Wild studied painting and art teaching at the Academie of Fine Arts in Munich. In 1999 she got the diploma for free-lance painting. Since graduating in 2000 she works as an art teacher. She had some educational stays in Florence with subjects drawing, painting and typographics. Since 1995 she takes part in exhibitions all over Bavaria. In 1999 she won the award for abstraction painting in the international exhibition “Festival de peinture” in Deux Sèvres in France.